Biografia di Enzo Sciotti, il poeta degli anni Ottanta

Tra gli appassionati di cartellonistica cinematografica, i manifesti di Enzo Sciotti, sono oggetto di culto. Le sue creazioni per il cinema di genere degli anni Ottanta, soprattutto l'horror, sono oggi venerate da collezionisti e appassionati di tutto il mondo. Ristampate, tatuate, citate: pochi artisti hanno definito con altrettanta forza l'estetica di un decennio.

Eppure la sua storia è la più romana e artigianale che si possa immaginare: una bottega a sedici anni, un maestro, un socio. Un inizio vecchio stile che ha dato vita a oltre tremila opere in mezzo secolo di lavoro, spaziando dall'orrore più nero alla commedia scollacciata dei vari Banfi e Pozzetto. Quando Enzo se n'è andato, nell'aprile del 2021, il cinema di mezzo mondo si è fermato a salutarlo.

Figlio d'arte, allievo di bottega

Enzo Sciotti nasce a Roma il 24 settembre 1944, figlio d'arte nel senso più antico: il padre è un decoratore specializzato in arte sacra e, di conseguenza, la pittura in casa Sciotti è considerata un mestiere più che una vocazione.

A sedici anni il ragazzo entra allo Studio Bat di Riccardo Battaglia, una delle botteghe della cartellonistica di Cinecittà, dove conosce Renzo Cenci ed Ezio Tarantelli, i quali diventeranno amici e colleghi di una vita. Passa poi alla scuderia di Maro, il grande Otello Mauro Innocenti, completando una formazione che sembra un piccolo albero genealogico dell'arte romana del manifesto.

Infine, arriva per Sciotti la realizzazione personale: insieme a Tarantelli fonda lo Studio E2, sigla con la quale i due firmeranno alcuni dei manifesti più nazional-popolari degli anni Settanta e Ottanta.

Le opere scelte per le uscite italiane e internazionali

Il catalogo di Sciotti rimane ancora oggi uno dei più significativi, sia per la mole di lavoro sia per i nomi coinvolti: oltre tremila opere, scelte per illustrare il cinema di registi come, solo per citarne alcuni, Dario Argento, Lucio Fulci, Sam Raimi, David Lynch ed Ettore Scola.

Il suo territorio d'elezione è il fantastico: l'horror, la fantascienza e il fantasy sono i generi in cui la firma di Sciotti diventa un punto di riferimento. Ricordiamo l'artwork di L'armata delle tenebre di Raimi che i fan di tutto il mondo conoscono a memoria, l'affascinante tavolo da biliardo per Velluto Blu di Lynch e gli evocativi disegni di Demoni e Phenomena, usati anche per illustrare le copertine delle colonne sonore.

Ma accanto al brivido c'è l'altra metà del suo mondo: la grande commedia italiana, da Verdone a Banfi, dove la stessa mano che evocava demoni sapeva accendere un sorriso.

Ancora poco conosciuto, inoltre, è il lavoro di Sciotti nell'editoria: sue infatti sono molte delle copertine dipinte per i fumetti neri che coloravano gli espositori delle edicole degli anni Settanta e Ottanta – Terror, Storie Blu e decine di altre testate – che fanno di lui anche un protagonista dell'illustrazione popolare.

Dal punto di vista prettamente tecnico, le commissioni arrivavano a Sciotti attraverso il produttore del film o la casa di distribuzione; solo pochi registi, infatti, si interessavano personalmente al marketing. Sciotti quindi creava utilizzando gli stimoli che aveva a disposizione e poi le opere venivano scelte dagli addetti ai lavori.

L'immagine inventata

C'è un aneddoto, raccontato da Sciotti stesso in un'intervista, che spiega il suo metodo di lavoro meglio di qualsiasi descrizione. Quando la Titanus nel 1984 gli commissionò il poster di Phenomena, Dario Argento non aveva ancora finito il film: Sciotti così dipinse una scena completamente inventata, uscita solo dalla sua immaginazione.

Sciotti ricordava come questo accadesse spessissimo e con film di ogni genere. Nel caso di Demoni, invece, poté visionare alcune scene del film e fu uno dei pochi casi in cui usò un fotogramma come riferimento iconografico.

E forse è proprio questo “nutrirsi di una suggestione” il segreto dei manifesti di Enzo Sciotti: essi non illustravano un film, ma lo sognavano prima che esistesse. Il cartellonista diventava quindi come una sorta di “secondo regista”, chiamato a immaginare l'essenza di una storia basandosi solo su un riassunto della trama e alcune fotografie disponibili.

“Per un creativo, inventare di sana pianta è il massimo”, ricordava Sciotti.

Queste storie rappresentano la dimostrazione definitiva che i disegni dei manifesti sono creazioni autonome, non meri derivati del film.

Lo stile: la pelle delle cose

La pittura di Sciotti si riconosce al tatto, prima ancora che alla vista. Le sue superfici sono vive: la pelle madida di sudore, il metallo che lampeggia, il sangue denso, i capelli mossi da un vento che esiste solo nel quadro.

La formazione classica di bottega gli dà un controllo anatomico assoluto, che lui carica di tensione teatrale: le sue figure urlano, si torcono, guardano lo spettatore negli occhi.

Nell'horror questo iperrealismo emotivo diventa un marchio: la paura non è suggerita, è incarnata. Nella commedia la stessa precisione si fa affettuosa, i volti dei divi restano somigliantissimi anche dentro la gag.

E su tutto governa un colore da scenografo, fondi neri e blu profondi da cui le figure emergono come sotto un riflettore: il palcoscenico perfetto per un decennio, gli anni Ottanta, che chiedeva ai muri emozioni forti.

Le opere

L'aldilà (Lucio Fulci, 1981)

Il poster del film L'aldilà è la rappresentazione del terrore vero: una giovane donna bionda urla a occhi chiusi mentre da dietro, emergendo dal buio con due occhi di brace, una creatura livida la afferra e le stringe alla gola un grosso coltello lucente. Le mani di lei si aggrappano ai polsi del mostro, la camicia è sporca di sangue, i capelli investiti da un vento innaturale.

In alto la famosissima tagline promette: “...E tu vivrai nel terrore!”, mentre in basso si staglia il titolo giallo a caratteri squadrati. Tutto è costruito sul primo piano ravvicinato, senza scenografia, perché l'orrore di Fulci sta addosso alla vittima: un manifesto, questo, che gli appassionati di tutto il mondo considerano tra le vette assolute dell'iconografia horror.

Borotalco (Carlo Verdone, 1982)

Il poster di Borotalco è una delle invenzioni più eleganti della commedia italiana sui muri: Eleonora Giorgi, fascia rossa tra i riccioli biondi e maglietta con la mosca occhialuta, soffia dal palmo della mano una nuvola di borotalco che diventa il titolo stesso; lettere bianche e morbide che cascano in diagonale sul fondo blu notte fino alle mani di Carlo Verdone, che afferra l'ultima O con lo sguardo malinconico e la sigaretta tra le dita.

Il titolo non è scritto sul manifesto, ma fa parte di esso: è un oggetto della scena stessa, polvere profumata che vola da lei a lui. Un'idea perfetta, dipinta con una morbidezza che sembra essa stessa talco.

Gian Burrasca (Pier Francesco Pingitore, 1982)

Il manifesto di Gian Burrasca solleva letteralmente il protagonista per l'orecchio: Alvaro Vitali vestito alla marinara a quadretti, calzettoni gialli e scarponcini, penzola a mezz'aria sopra il banco di scuola, la bocca spalancata nell'attimo della cattura, mentre una mano adulta che spunta da una manica verde lo tiene sospeso e il quaderno macchiato d'inchiostro vola via con il pennino.

Il titolo giallo a lettere gonfie rotola in alto come una risata. Tutta la meccanica della monelleria è condensata in un solo istante, quello del castigo, dipinto con una cura dei tessuti e delle espressioni che trasforma la farsa in piccola pittura di genere.

L'allenatore nel pallone (Sergio Martino, 1984)

La locandina de L'allenatore nel pallone consegna alla storia l'immagine di Oronzo Canà: Lino Banfi in tuta blu, fischietto al collo e panno bagnato sulla testa, seduto in panchina con l'espressione di chi ha appena visto sfumare la salvezza, mentre sopra di lui una corona di palloni gli gira intorno come le stelle in testa a un personaggio tramortito e alle sue spalle due giocatori gli rivolgono gesti eloquenti.

A sinistra, piccola, la porta e l'azione di gioco. La caricatura è affettuosa e precisissima, il pallone in primo piano invita quasi a entrare nella scena e la corona di palloni rotanti è una trovata da fumetto trasferita in pittura: il calcio italiano di provincia ha qui il suo ritratto definitivo.

Phenomena (Dario Argento, 1985)

Il manifesto di Phenomena è diviso tra il cielo e la terra: dall'alto scendono due enormi mani livide, percorse da scariche elettriche che ne illuminano i contorni e sotto il loro peso il titolo bianco si piega e ondeggia come stoffa nel vento.

In basso, in una radura notturna tra fiori coloratissimi e una gola di montagna, Jennifer Connelly in camicia da notte bianca siede a terra e osserva una farfalla posata sulla sua mano.

La minaccia sopra, l'innocenza sotto e in mezzo la parola che si deforma: è l'intero cinema di Argento tradotto in un'unica architettura visiva, inventata, come raccontava l'autore stesso, prima ancora che il film fosse finito.

Il culto e l'addio

Negli ultimi anni della sua vita Sciotti ha potuto vedere il proprio lavoro diventare oggetto di culto internazionale: le convention di collezionisti che lo invitavano come ospite d'onore, le litografie richieste da tutto il mondo, i fan dell'horror in pellegrinaggio.

Aveva raccolto le sue opere in un libro d'arte dal titolo – per noi molto familiare – Il Cinema Dipinto.

Quando è scomparso, a Roma, l'11 aprile 2021, la famiglia ha pubblicato sul suo profilo un congedo che ha commosso il mondo dei suoi ammiratori: “Io sono volato via e vi tengo tutti nel cuore”.

I necrologi sono usciti sulle testate di mezzo mondo, un onore toccato a pochissimi cartellonisti: il ragazzo della bottega di Cinecittà se ne andava da maestro riconosciuto ovunque.

Sciotti e i Maestri Cartellonisti

Nel panorama dei pittori di cinema, Enzo Sciotti è l'anello che congiunge la bottega classica romana e l'immaginario globale. Formato alla scuola di Maro, cresciuto accanto a colleghi come Ezio Tarantelli, con cui divise lo studio per tanti anni, ha portato la sapienza artigiana dentro il decennio più internazionale del cinema di genere, affiancando nella fama mondiale Renato Casaro, l'altro grande poeta degli anni Ottanta.

Se Casaro è stato l'ambasciatore del manifesto italiano nei grandi studios, Sciotti ne è stato il campione nell'immaginario nazional-popolare. Due strade diverse che hanno portato allo stesso risultato: dimostrare che il cinema dipinto italiano era, semplicemente, il migliore del mondo.

Le opere riprodotte in questa pagina provengono dalle stampe originali dell'epoca, recuperate, fotografate e restaurate digitalmente da Movie.it.