Alfredo Capitani (Ciampino, 3 marzo 1895 – Roma, 9 settembre 1985) è stato uno dei più grandi pittori di manifesti cinematografici della storia del cinema italiano. In quasi un secolo di vita, ha lasciato un segno indelebile nell'immaginario collettivo legato al grande schermo, creando poster che ancora oggi vengono considerati capolavori assoluti della comunicazione visiva e dell'arte grafica del Novecento.

La sua formazione fu solida e poliedrica: frequentò l'Accademia Inglese di Belle Arti di Roma, diplomandosi in scenografia, e cominciò subito a lavorare come grafico pubblicitario, scenografo teatrale e allestisce di teatri per le proiezioni cinematografiche. Ancor prima della laurea, era entrato giovanissimo come assistente generico alla Cines, al tempo dei pionieri del cinema italiano come Enrico Guazzoni e Filoteo Alberini: un'esperienza che gli permise di capire il linguaggio del cinema dall'interno, ben prima di doverlo raccontare attraverso la pittura.

Nel 1919 aprì il suo studio dedicato alla creazione di manifesti pubblicitari e, insieme a Luigi Martinati, fondò la Maralca, una società specializzata nella promozione di pellicole cinematografiche. Fu però con l'ingresso di Anselmo Ballester che i tre diedero vita alla celebre BCM ,dalle iniziali dei loro cognomi, destinata a dominare per oltre due decenni il mercato italiano della cartellonistica, operando attivamente anche negli Stati Uniti. Le maggiori case di produzione italiane e americane Cines, Titanus, Fox, Paramount, Columbia, MGM scelsero le opere della BCM per l'intero corredo pubblicitario dei loro film.

Il pittore che non volle mai esporre

Tra i dettagli più toccanti della vita di Alfredo Capitani ce n'è uno che lo rende ancora più affascinante e, per certi versi, misterioso. Negli anni Trenta l'artista sposò Paola Francioli, ma rimase ben presto vedovo. Il lutto lo segnò profondamente: si trasferì nel quartiere di San Giovanni a Roma, dove ricominciò a lavorare con rinnovata intensità, realizzando proprio in quel periodo i manifesti che sarebbero diventati i più celebri della sua carriera da Gilda a Moby Dick, da Sfida Infernale a Solo chi cade può risorgere.

Ma l'aspetto forse più singolare della sua vicenda umana arrivò negli anni Sessanta. Quando la grande stagione della cartellonistica cinematografica cominciò a declinare, Capitani prese una decisione radicale: abbandonò definitivamente i manifesti per dedicarsi esclusivamente alla pittura pura. Fin qui, niente di straordinario. Il dettaglio che colpisce è un altro: non espose mai i suoi quadri, non li vendette mai, non cercò riconoscimenti.

Dipinse per sé stesso, in silenzio, fino alla fine. La sua opera pittorica è oggi conservata presso l'Archivio di famiglia, mantenuto in vita dagli eredi. Un gesto di coerenza assoluta, o forse di pudore estremo, da parte di un uomo che per decenni aveva lavorato per rendere visibili gli altri, e che alla fine scelse deliberatamente di restare nell'ombra.

Lo stile inconfondibile di Alfredo Capitani

Il tratto distintivo di Capitani è riconoscibile a colpo d'occhio: colori brillanti e sfumati con straordinaria maestria, effetti pittorici di grande intensità emotiva e composizioni dinamiche che rompono gli schemi accademici tradizionali. Il suo approccio alla tavola non era mai descrittivo o banalmente illustrativo: ogni manifesto era una sintesi visiva potente, capace di catturare lo spettatore e di comunicare in pochi istanti l'essenza emotiva di un intero film.

Il suo linguaggio visivo viene spesso accostato a quello di Anselmo Ballester, con cui condivide un'estetica forte fatta di campiture cromatiche audaci, figure monumentali e una gestione della luce quasi teatrale. Capitani non teme le scelte più coraggiose: diagonali inusuali, sovrapposizioni cromatiche, sfondi notturni che valorizzano i soggetti con effetti quasi onirici. Il lettering, in molti suoi bozzetti, è realizzato a pennellate rapide e vigorose, quasi come un abbozzo, conferendo ai manifesti un'energia visiva immediata e irripetibile.

I manifesti più celebri

I Prigionieri dell'Oceano (1944) – Hitchcock in tempesta

Per Lifeboat di Alfred Hitchcock con Tallulah Bankhead, Capitani sceglie un'inquadratura dal basso che amplifica il senso di pericolo: una scialuppa sferzata dalle onde in un mare in tempesta, con la vela gonfia e un aereo minaccioso sullo sfondo. La tavolozza di blu, grigi e bianchi trasmette immediatamente la sensazione di isolamento e sopravvivenza che è il cuore del film.

Duello Mortale (1944) – Noir alla Fritz Lang

Per Man Hunt di Fritz Lang con Walter Pidgeon e Joan Bennett, Capitani usa la ragnatela come metafora visiva della trappola, sovrapponendola al volto verdastro del villain e allo skyline del Tower Bridge londinese. Un'immagine di rara efficacia, perfettamente in linea con la poetica del regista tedesco.

Gilda (1946) – Il capolavoro assoluto

Se c'è un'opera che ha consacrato Alfredo Capitani nell'olimpo dei poster  di tutti i tempi, è il manifesto italiano di Gilda, il noir con Rita Hayworth e Glenn Ford diretto da Charles Vidor.

L'impostazione è geniale nella sua semplicità: Rita Hayworth occupa l'intera superficie del manifesto, avvolta in un abito viola e immersa in un alone luminoso che la stacca dallo sfondo scuro. Il corpo è disposto in diagonale, con le braccia alzate in un gesto di sensuale abbandono. Il volto quasi si perde, eppure la figura domina tutto con una forza magnetica irresistibile.

Nulla distoglie lo sguardo dalla protagonista: non un titolo invadente, non un elemento di contorno superfluo.

Questa scelta compositiva, audace per l'epoca, trasforma il manifesto in un’opera d’arte: è un'icona visiva del cinema mondiale, simbolo per eccellenza della femme fatale hollywoodiana e della stagione aurea del noir americano. Ancora oggi viene riprodotto, citato e omaggiato in tutto il mondo.

Il Selvaggio (1953) – Marlon Brando in Italia

La locandina italiana di The Wild One con Marlon Brando è un altro esempio della capacità di Capitani di cogliere l'essenza di un personaggio. Il volto di Brando emerge in primo piano con tutta la sua ambiguità ribelle, mentre la figura intera in giacca di pelle si staglia sopra la ressa in un gioco di scala che sottolinea solitudine e centralità narrativa. Una locandina che anticipa perfettamente il mito culturale che Brando stava costruendo in quegli anni.

Moby Dick (1956) – L'epica sul mare

Per l'adattamento cinematografico del capolavoro di Herman Melville diretto da John Huston, con Gregory Peck nei panni del Capitano Achab, Capitani sceglie una composizione a doppio registro narrativo. In alto, il volto monumentale di Peck in bianco e nero, austero e ossessionato. In basso, una scena marina di furore dinamico: balenieri su una lancia travolta dalle onde, mentre la coda della balena bianca emerge minacciosa. Il contrasto cromatico tra il grigio solenne del volto e i blu tempestosi del mare crea una tensione narrativa che racconta il film prima ancora di vederlo.

L'eredità di Alfredo Capitani

I manifesti di Capitani non erano strumenti pubblicitari: erano narrazioni visive autonome, capaci di condensare in un'unica immagine l'atmosfera, i personaggi e le emozioni di un intero film. In un'epoca in cui il poster era il principale veicolo di comunicazione per il cinema ben prima dei trailer online, dei social media e delle campagne digitali Capitani ha elevato questo linguaggio a forma d'arte a sé stante, libera dai canoni accademici e capace di dialogare con le avanguardie del suo tempo.

Oggi i suoi manifesti sono pezzi da collezione molto ricercati, protagonisti di aste internazionali e mostre dedicate alla cartellonistica cinematografica. Il manifesto di Gilda, in particolare, è considerato uno dei poster più iconici dell'intera storia del cinema. Nel 2018 la Cineteca di Bologna gli ha dedicato una mostra al festival Il Cinema Ritrovato, riconoscendolo ufficialmente come precursore di tutta la pittura cinematografica italiana.

Alfredo Capitani ha vissuto e lavorato in un periodo irripetibile della storia del cinema. I suoi manifesti, da Gilda a Moby Dick, da Hitchcock a Fritz Lang, sono finestre aperte su un'epoca d'oro, testimonianze della straordinaria capacità di un artista di catturare in pochi centimetri quadrati l'anima di un film. E quella scelta finale di dipingere in silenzio, senza mai esporre né vendere, lo rende ancora più grande: un maestro che non aveva bisogno di applausi per sapere chi era.